Seuil

  • On ignore presque tout de ce que fut la vie de farid-ud-din attar.
    On sait qu'il est né à nichéã£pur, en perse, probablement en 1140, qu'il fut apothicaire, qu'il voyagea beaucoup, et qu'il mourut en 1230, dans sa quatre-vingt-dixième année.
    On sait surtout qu'il fut l'un des plus grands poètes mystiques de cette époque glorieuse du soufisme oú la quête divine atteignit des sommets inégalés. rûmi, hallaj, saadi furent ses pairs.
    Il écrivit beaucoup. le mémorial des saints, le livre divin sont de ses oeuvres majeures.
    La conférence des oiseaux est assurément la plus accomplie. elle relate le voyage de la huppe et d'une trentaine de ses compagnons en quête de simorgh, leur roi. d'innombrables contes, anecdotes, paroles de saints et de fous les accompagnent. " lis ce livre, chercheur, tu sauras oú aller, dit le poète. savoure-le longtemps et tu seras nourri. car il a de quoi t'étonner. tu le lis une fois et tu crois le connaître, mais non ! lis-le cent fois, cent merveilles nouvelles ébahiront ton oeil.
    " autant dire que la conférence des oiseaux est de ces livres qui se savourent et se fréquentent comme des amis nourriciers.

  • Ce roman se présente comme le journal du maître d'oeuvre qui, au douzième siècle, édifia en Provence l'abbaye du Thoronet, exemple d'architecture cistercienne. Jour après jour, nous voyons ce moine constructeur aux prises avec la faiblesse des hommes et l'inertie des choses, harcelé par les éléments contraires, et plus encore, par ses propres contradictions. La vie d'un chantier médiéval, les problèmes techniques, financiers ou doctrinaux que posait sa bonne marche, les solutions d'une étonnante modernité qui leur furent données apparaissent ici bien peu conformes à ce Moyen-Âge de convention dont l'image encombre souvent nos mémoires.

    Cependant, cette vivante chronique de la naissance d'un chef-d'oeuvre, appuyée à la fois sur des recherches historiques originales et sur une longue expérience du métier de bâtisseur, est aussi une réflexion passionnée sur les rapports du beau et du nécessaire, de l'ordre humain et de l'ordre naturel. Et elle est encore une méditation lyrique sur l'Ordre en lequel tous les ordres ont leur place, et sur cet art qui rassemble tous les autres : l'architecture.

    Mais elle est, d'abord, un acte de foi.

  • Depuis le texte fondateur de Vasari, l'histoire de l'art avait tenu dans l'ombre le travail des femmes peintres. À partir des années 1960, les Feminist Studies et les Gender Studies ont permis de mettre à mal cette tendance et de redécouvrir des artistes majeures dont le travail avait été injustement occulté au profit de celui de leurs homologues masculins.
    Du fait de leur isolement et de leur faible nombre tout autant que des interdits et des obstacles qui furent opposés à leur formation comme à leur carrière, l'étude des femmes peintres a engagé Martine Lacas à se poser certaines problématiques qui leur sont propres : dans quelles familles sont-elles nées ? comment se sont-elles formées ? quelles stratégies ont-elles développées pour légitimer leur statut d'artiste et leur production ? Mais aussi qu'est-ce que le fait d'être femme a changé quant au choix des sujets et de leurs interprétations, quant à l'affirmation de soi par l'oeuvre et dans l'ouvre ?
    Pour répondre à ces questions, Martine Lacas s'appuie sur l'étude des ouvres de ces femmes peintres du XVe à l'aube du XIXe siècle, parmi lesquelles on compte Elisabeth Vigée Le Brun, Artemisia Gentileschi, Sofonisba Anguissola ou Adélaïde Labille-Guiard, dont le genre a déterminé et détermine encore la réception, la fortune critique et l'appréciation esthétique.

  • Bien des chemins mènent à la chambre : le sommeil, l'amour, la méditation, Dieu, le sexe, la lecture, la réclusion, voulue ou subie. De l'accouchement à l'agonie, elle est le théâtre de l'existence, là où le corps dévêtu, nu, las, désirant, s'abandonne. On y passe près de la moitié de sa vie, la plus charnelle, celle de l'insomnie, des pensées vagabondes, du rêve, fenêtre su l'inconscient, sinon sur l'au-delà. La chambre est une boîte, réelle et imaginaire. Quatre murs, plafond, plancher, porte, fenêtre structurent sa matérialité.
    De l'Antiquité à nos jours, Michelle Perrot esquisse une généalogie de la chambre, creuset de la culture occidentale, et explore quelques-unes de ses formes : la chambre de Louis XIV, la chambre d'hôtel, la chambre conjugale, celle de la jeune fille, du malade ou du mourant, celle de la cellule carcérale.
    Une nouvelle édition illustrée de 120 reproductions d'une grande diversité.

  • Ce n'est pas un hasard si nous voyons rouge, rions jaune, devenons verts de peur, bleus de colère ou blancs comme un linge. Les couleurs ne sont pas anodines. Elles véhiculent des tabous, des préjugés auxquels nous obéissons sans le savoir, elles possèdent des sens cachés qui influencent notre environnement, nos comportements, notre langage, notre imaginaire. Les couleurs ont une histoire mouvementée qui raconte l'évolution des mentalités.
    L'art, la peinture, la décoration, l'architecture, la publicité, nos produits de consommation, nos vêtements, nos voitures, tout est régi par ce code non écrit.

    Nouvelle édition illustrée du Petit livre des couleurs.

  • Quel délice, pour un écrivain passionné de sport, de concevoir un album comme celui-ci ! Élire en toute subjectivité les gestes que j'ai trouvés les plus beaux, les champions les plus charismatiques, les histoires les plus émouvantes. Écrire sur tout cela. Bénéficier du travail d'une petite équipe me permettant de choisir les documents photographiques illustrant ces préférences, les mettant en scène, leur suscitant des échos.
    Le sport a ses ombres, mais il s'agit ici de toute la lumière qu'il m'a donnée, hier, aujourd'hui, et même avant que je sois né parfois. L'amitié de l'aryen Luz Long et du noir Jesse Owens, la perfection du saut de Carl Lewis, la subtilité de la passe d'Andrés Iniesta ... Tout le sport que j'aime, en images et en mots.

  • Dans cet ouvrage, où une large place est laissée à l'iconographie (peintures, gravures, photographies), Georges Vigarello s'attache à montrer comment l'évolution de la robe est intiment liée au contexte social et culturel de chaque époque. Ainsi, du Moyen Âge à aujourd'hui, il retrace cette histoire faite de ruptures et de révolutions, pour mettre en lumière combien les profils et les modes suggèrent une sensibilité culturelle, épousent une vision du monde, incarnent l'évolution des moeurs. Car l'apparence de la femme traduit bien souvent ce qui est attendu d'elle, d'où l'enjeu d'une histoire des robes.

    Découpé en six grandes parties, l'ouvrage remonte d'abord au XIIIe siècle avec les premiers bustes lacés, pour ensuite s'attarder au XVIe, mais surtout aux XVIIe et XVIIIe siècles, durant lesquels la géométrie des lignes et des silhouettes ne va faire que s'accentuer : le buste est corseté, la ceinture étranglée et le bas du corps entièrement noyé dans les plis. La femme est avant tout un « décor » et cet artifice est conçu en priorité pour la pause, non pour l'activité. Mais l'époque des Lumières en fera la critique, amplifiée par la Révolution française. La nouvelle « citoyenne » gagne en droits et en liberté, et son vêtement doit en témoigner. Pourtant, le premier quart du XIXe siècle, s'attache à restaurer pour un temps ces formes et dépendances passées : c'est alors l'apogée de la crinoline, avant qu'elle-même ne s'efface au profit du fourreau début XXe, tandis que la robe se fait plus collante, dévoilant davantage le bas du corps. Puis, le XXe marque l'élancement : la ligne se redessine et la rupture s'opère sur l'ensemble de la silhouette. Les formes s'installent, plus onduleuses. La mode « garçonne » des années 30 marque de façon décisive l'affirmation d'un corps mobile. De même, à travers les bouleversements contemporains, triomphe une liberté assumée : la mini-jupe, le legging, le pantalon, sont autant de repères forts, à partir desquels la robe est révolutionnée.

  • Le 20 octobre 1917 naissait Jean-Pierre Grumbach, alias Melville, l'un des plus grands cinéastes du xxe siècle. À l'occasion du centenaire de sa naissance, ce portrait en huit poses épouse les différentes faces, parfois contradictoires, souvent ambiguës, de la vie de cet homme insaisissable, à travers des recoupements féconds avec sa filmographie. Peu de livres existent sur Melville, réalisateur pourtant adulé à l'étranger, célébré en France, étudié à l'université. Ce beau livre sur son oeuvre et sa vie, croisant ses archives personnelles et des photographies en grande partie inédites, est un document d'importance pour la transmission cinéphilique et le rayonnement de son travail. Un livre trouble et haletant comme un «film noir», chaque chapitre devenant un nouveau rebondissement de cette existence - de la jeunesse de Jean-Pierre Grumbach, son engagement dans la Résistance, à l'invention d'une figure mythique au stetson, de la construction des Studios Jenner à l'incendie de son temple du cinéma, du précurseur de la Nouvelle Vague au maître du «polar». Un ouvrage pour comprendre celui qui, dans À bout de souffle, incarnant l'écrivain Parvulesco, répondait à la question de Jean Seberg «Quelle est votre plus grande ambition dans la vie?» par cette formule légendaire: «Devenir immortel. Et puis... Mourir.»

  • Nées dans les milieux maritimes méditerranéens au cours du XIIe siècle, les cartes marines dites " cartes-portulans " constituent le coeur de l'ouvrage. Dessinées sur parchemin, sillonnées de lignes en étoile évoquant les directions de la boussole et représentant la succession des ports et des mouillages le long des rivages, ces cartes accompagnèrent les navigations européennes et l'exploration du monde jusqu'au XVIIIe siècle. Instruments de navigation utilisés à bord des bateaux, elles furent aussi produites sous la forme d'images du monde enluminées, destinées à de riches commanditaires, illustrant les intérêts économiques et politiques des puissances maritimes européennes. Réunissant les contributions d'une quinzaine de spécialistes européens, le livre fait le point des connaissances sur ce type de cartes et reflète le renouveau historiographique des dernières années.
    Ainsi, sous un angle inédit, l'ouvrage interroge la manière dont les Européens ont découvert et conquis mais aussi étudié et représenté territoires et peuples du XIVe au XVIIIe siècle. Les cartes-portulans s'imposent au regard contemporain comme de véritables oeuvres d'art dont le caractère spectaculaire tient autant à leur taille, imposante, qu'à leur polychromie et à leur univers exotique.

  • La joie, l'amour, la santé, l'abondance, la concorde, la paix, le bonheur sont de ce monde.
    Vous qui souffrez, vous qui vous débattez dans les difficultés quotidiennes et qui vivez dans la terreur de l'avenir, ne voyez pas dans cette affirmation une insulte à vos malheurs : mon but est de vous aider à découvrir en vous-même la source de tous les biens. en effet, comme tour au monde, comme la force électrique, comme la pesanteur, comme le son, le bonheur est, et il a ses lois. ces lois, nous passons notre vie à les enfreindre et nous nions le bonheur avec une apparence de raison puisque dans ces conditions il nous est effectivement impossible d'être heureux.
    /> Remarquez donc combien de fois dans la journée vous niez en pensée et en paroles ce que pourtant vous désirez le plus au monde : vous aurez la surprise de constater que vous assenez, plusieurs fois par minute, le coup de massue de la négation a votre espoir. voici la loi essentielle : la pensée crée - la parole crée. elles ont le pouvoir de créer la joie, la paix, le bonheur, et tout ce qui est conforme à ce radieux programme.

  • Raymond Depardon, a, depuis le début de sa carrière (comme photographe reporter) jusqu'à aujourd'hui, effectué de nombreux voyages au Vietnam.
    Les 158 photographies présentées dans cet ouvrage, noir et blanc, imprimées en trichromie et à fond perdu, ont été réalisées en 1964-1965, puis en 1972 et 1994, et enfin en 2013. Raymond Depardon y a glissé ici et là de courts textes commentant la photographie de la page en regard.
    Cette succession impressionnante d'images constitue une sorte d'histoire fragmentaire du Vietnam et notamment de la ville de Saigon qui s'est radicalement transformée au fil des décennies. Les hommes sont le grand sujet de ce livre : des portraits de toute beauté ornent les pages et nous retrouvons le Depardon grand-reporter, avec des photos stupéfiantes sur la misère et la violence. Jusqu'à ce que, bien plus tard, en 2013, l'architecture prenne le dessus pour montrer un Saigon métamorphosé.

  • D'abord grand reporter, Raymond Depardon s'est affirmé, au cours de ces décennies, par ses livres, ses expositions et ses films, comme un artiste majeur. Depuis 1961 et jusqu'en 2013, il a photographié régulièrement Berlin.
    Dans ce livre, il fait revivre la construction du Mur, les visites de Robert Kennedy et de la reine Elisabeth, le congrès Tunix des intellectuels européens qui marque le début des mouvements alternatifs, la chute du Mur, la ville en friche puis la reconstruction des deux côtés d'une frontière abolie mais jamais complètement effacée, et enfin le Berlin d'aujourd'hui. Moments forts de l'Histoire ou du quotidien des Berlinois, tout est saisi par un regard très personnel qui s'attache d'abord aux hommes et femmes, célèbres ou anonymes.
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    Des textes sobres de Depardon viennent ouvrir les chapitres du livre organisés chronologiquement. Une carte de Berlin avec tracé du mur vient conclure le livre.

    Pour la première fois depuis que nous publions l'oeuvre de Raymond Depardon, un éditeur étranger : l'Allemand Steidl a acheté la maquette et les droits en langue anglaise et allemande et prévoit une publication simultanée.

    Raymond Depardon a photographié Berlin pendant cinquante ans. À l'occasion du 25e anniversaire de la chute du Mur, il nous présente trois cents photographies qui, à travers son regard personnel, retracent l'histoire de cette ville de 1961 à nos jours.

  • Le 28 octobre 1971, les habitants du plateau du Larzac apprennent à la télévision par la voix du ministre des Armées, Michel Debré, la décision officielle de l'extension du camp militaire du Larzac. Les paysans décident alors de s'engager dans une lutte pour défendre leurs terres en mobilisant autour d'eux un large mouvement animé par des comités de soutien répartis dans toute la France. En 1981, la promesse du candidat François Mitterrand, élu, est tenue. Il renonce à l'extension du camp militaire. Mais le Larzac ne s'arrête pas là. Un " après Larzac " se met en place, qui poursuit un développement agricole et culturel basé notamment sur la gestion collective des terres, le renforcement des solidarités locales, nationales et internationales. De 1971 à 1981, en 10 années de création et de diffusion, le Larzac a peu à peu dessiné l'image d'un combat à valeur de symbole. Ces centaines d'affiches réalisées dans l'enthousiasme ou dans la rage parfois ont eu le mérite de mettre à jour une formidable énergie créative. Les affiches et documents iconographiques réunis dans ce livre n'ont pas été uniquement choisis pour leurs qualités esthétiques, mais aussi en fonction de leurs messages. Parfois très belles, signées de grands noms, souvent anonymes, elles permettent de suivre l'évolution de 10 ans de lutte.

  • La peinture ne naît jamais dans un monde isolé, elle entre en résonance avec les mouvements sociaux et intellectuels de son époque, et participe elle-même de la pensée. Il s'agit là d'un échange à double sens : les artistes sont imprégnés de l'esprit de leur temps, que pourtant ils transforment et enrichissent. Au XVIIIe siècle, le mouvement des Lumières bouleversera l'ordre de la société ; notre modernité en est issue.

    La peinture des Lumières place l'être humain comme objet central de la représentation. Elle renonce à figurer les surhommes (dieux, personnages mythologiques, héros légendaires), pour se tourner vers des personnes ordinaires, engagées dans leurs activités quotidiennes. Elle met en scène leur variété, montrant hommes et femmes, enfants et vieillards, riches et pauvres, de toutes professions, y compris ceux qui se trouvent en marge de la société, fous, criminels et prostituées. Elle exprime les facettes multiples de la nature humaine : l'amour sous toutes ses formes, mais aussi la violence, les réjouissances et les désespoirs, les activités religieuses et politiques. Parallèlement, les règles de la représentation se transforment. En rupture avec les écoles du passé, cette peinture abandonne les sens symboliques traditionnellement attachés aux objets et aux actions, et les montre pour ce qu'ils sont. La peinture des Lumières propose une interprétation du monde, favorisant l'invention, la fantaisie, le « caprice ».

    Cet ouvrage, illustré par une centaine de tableaux, dessins et gravures en couleurs, analyse la peinture des Lumières dans deux séries de chapitres. Les uns sont consacrés à la figure de quatre grands peintres européens : Antoine Watteau, Alessandro Magnasco, William Hogarth, Francisco Goya. Les autres chapitres examinent quelques sujets révélateurs : les personnages situés aux marges de la vie sociale (enfants, gueux, étrangers), les activités illustrant les marges de l'esprit (fantasmes, érotisme, travestissements), ou encore certains sous-genres picturaux, comme les portraits, les paysages, ou les natures mortes.

  • « J'ai annoncé [...] que vous étiez en train de faire revivre Buffon, et l'on se fait une joie de voir le livre », écrivait le marchand et éditeur d'art Ambroise Vollard à Picasso en 1936, à propos des gravures qu'il lui avait commandées afin d'accompagner une anthologie de l'Histoire naturelle. Mais, à l'exception d'une suite de onze planches, rien ne parut avant la mort accidentelle de Vollard. Ce n'est qu'en 1942 que Martin Fabiani, son successeur, publia le livre avec ses trente-et-une gravures. Adoptant la technique de l'aquatinte au sucre, Picasso accomplissait là son rêve d'une gravure aussi vive et libre que le pinceau du peintre, ce qui constitue un moment-clé de son ouvre graphique.
    L'histoire ne s'arrête pas là : après avoir offert un exemplaire à sa maîtresse Dora Maar le 17 janvier 1943, l'artiste le reprit le 24 janvier à la suite d'une dispute et, en l'espace d'un après-midi, avec une incroyable rapidité, il rehaussa le volume de quarante-quatre dessins à la plume et au lavis d'encre, dont trente-cinq à pleine page. Ces dessins composent une galerie de portraits faite de têtes d'animaux mais aussi d'hommes barbus et de visages de femmes, autant de métamorphoses possibles du peintre et de son modèle. Le portrait en frontispice d'une Dora chimérique, à la fois la créature si charmante qu'il avait dessinée sous les traits d'une « femme oiseau » au début de leur liaison, et la harpie armée des « superbes griffes » de la jalousie, prête à affronter Picasso le Minotaure, illustre bien l'évolution orageuse des rapports entre le peintre et sa compagne.
    C'est la réédition en fac-simile de cet exemplaire unique, conservé à la Réserve des Livres rares de la Bibliothèque nationale de France que nous proposons ici.
    Un bestiaire à la fois fascinant et cruel, parfois énigmatique, qui écrit, en creux, la fin d'un amour.

    Ce fac-simile est assorti d'une étude illustrée rédigée par Antoine Coron, directeur honoraire de la Réserve des livres rares, qui nous aide à mieux comprendre la place de cet ouvrage dans l'ouvre graphique de Picasso et dans l'histoire de la bibliophilie.

  • Précieusement conservé à la bibliothèque de l'Arsenal au titre de trésor national, le Grand Armorial équestre de la Toison d'or est l'un des manuscrits enluminés les plus spectaculaires de la fin du Moyen Âge. Peint à la gouache sur papier à Lille en 1435-1438, il représente les chevaliers de l'ordre de la Toison d'or, fondé par le duc de Bourgogne Philippe le Bon en 1430, et des personnages importants du temps. Rois, ducs, comtes et princes de l'Église y sont figurés en grande tenue héraldique, dans un costume à la fois militaire et civil en tout point extraordinaire. L'ensemble des 79 portraits équestres est accompagné de 950 armoiries collectées dans toute l'Europe par différents hérauts d'armes venus participer en 1435 à la grande paix d'Arras.

    Reproduit ici à l'identique, ce manuscrit exceptionnel est enrichi d'une présentation de l'historien Michel Pastoureau, spécialiste des armoiries, des couleurs et du bestiaire médiéval, et d'un entretien croisé entre le médiéviste et l'artiste Jean-Charles de Castelbajac, créateur iconoclaste passionné d'histoire et d'art contemporain, ainsi que de nombreux dessins inédits de sa main.

  • Glasgow

    Raymond Depardon

    En 1980, Raymond Depardon réalise une commande pour le Sunday TimesMagazine sur la ville de Glasgow mais le reportage ne sera jamais publié.
    Les images resteront dans les cartons du photographe jusqu'à l'exposition Un moment si doux au Grand Palais (14 Novembre 2013 - 10 Février 2014) où le public découvre une partie de la série Glasgow et s'émerveille : Depardon saisit la lumière d'Écosse comme jamais et sublime la fin d'un monde ouvrier. Les ciels nuageux et les sols détrempés de Glasgow apportent une beauté inouïe à l'errance d'un peuple ouvrier désouvré, traînant le long des devantures de magasins, marchant contre les murs d'usines ou jouant au pied d'habitations en ruine.

  • En 1987, Pierre Soulages accepte la commande que l'État lui propose : créer pour Conques les vitraux que mérite l'abbatiale, jusque là défigurée par des vitraux du début du siècle.

    L'artiste a cherché à faire une oeuvre originale, jusque dans la création même de la matière, un verre spécial, pour obtenir exactement la couleur et la variation de la lumière qu'il souhaitait, tout en respectant l'architecture du bâtiment. Le résultat est saisissant.

    Ce livre contient une préface de Georges Duby, ainsi qu'un texte du verrier Jean-Dominique Fleury. Une première partie, abondamment illustrée, présente un reportage photographique inédit sur l'abbaye (intérieur et extérieur) avec tous les vitraux en place, accompagné d'un texte de Christian Heck, historien d'art, qui célèbre l'accord entre les intentions des bâtisseurs et l'oeuvre de l'artiste contemporain. Une deuxième partie constituée des "notes de travail" de Pierre Soulages est illustrée par un reportage photographique (travail de recherche du verre idéal, dessins des cartons, etc.)

  • La guerre d'Algérie fut le grand épisode traumatique de l'histoire de la France des Trente Glorieuses. Et les blessures ouvertes alors ne sont pas encore refermées, comme en témoignent les polémiques mémorielles récurrentes qu'elle continue de soulever.
    Né à Constantine en Algérie, l'historien Benjamin Stora raconte ici cette guerre longtemps restée " sans nom ", ses épisodes majeurs (des massacres du Constantinois à la politique de la " terre brûlée " de l'OAS, en passant par le putsch des généraux et la répression des immigrés en métropole) et ses acteurs principaux, français comme algériens. Il restitue cette histoire dans toute sa complexité et rend compte des acquis et des débats de la recherche historique la plus récente, en racontant par exemple comment la guerre fut vécue du côté algérien. Enfin, il revient sur les séquelles politiques et mémorielles de cette guerre de huit ans des deux côtés de la Méditerranée.

  • Devenue française en 1532, la Bretagne n'a jamais cessé d'être elle-même. Son identité s'impose, par-delà les lieux communs, de la « Celtie » idéalisée des druides et des chevaliers du Graal jusqu'à Bécassine.
    Dans ce livre-somme, Joël Cornette, Breton et historien, retrace l'aventure mouvementée d'un territoire singulier, depuis ses plus lointaines origines jusqu'à l'aube du XXIe siècle.
    Voici la Bretagne restituée, « en majesté » : des menhirs de Carnac à la fin du dernier millénaire, en passant par les effervescences de 1789 ; de l'ère viking à la « révolution verte » de l'agriculture ; de la grande à la petite histoire, avec la foule des Bretons anonymes mais aussi les personnages illustres, les ruptures fondatrices comme les révolutions silencieuses, vécues au quotidien.
    Plus de cent quarante documents iconographiques, tous commentés, viennent enrichir ce texte : ces « arrêts sur image » s'offrent comme autant de sources précieuses ponctuant la singulière odyssée de ce bout du monde à l'irréductible personnalité.

  • La découverte de la glotte Chauvet en 1995 a été un événement considérable : l'ancienneté des peintures, vieilles de 35000 ans, et leur exceptionnelle qualité ont suscité la surprise et l'admiration. Les images des rhinocéros, des mammouths, des lions des cavernes, des bisons, des chevaux ont fait le tour du monde. Une équipe de spécialistes de toutes disciplines a entrepris depuis quelques années une étude approfondie de la grotte, sous la direction de Jean Clottes, auquel Jean-Michel Geneste a succédé à partir de 2002. Cette collaboration s'est révélée particulièrement fructueuse et la caverne a livré bien des secrets sur son origine, sur les datations, les traces laissées par les animaux et les hommes, les techniques utilisées, les thèmes des peintures et des gravures. Le regard posé sur cet art exceptionnel par l'historien d'art ou l'ethnologue amène aussi un éclairage nouveau. Le résultat de ces recherches et de ces découvertes, jusqu'en 2001, est exposé ici, simplement, pour faire partager au public non seulement la connaissance, mais aussi l'émotion qui ne peut manquer de naître devant cet univers vieux de tant de millénaires.

  • Charles Louis Fremont est né en 1855 sur les contreforts de la Butte Montmartre et a vécu dans le XVIIIe arrondissement jusqu'à sa mort en 1930. Issu d'une famille modeste, il doit travailler à partir de ses 17 ans dans l'atelier de son père.
    En 1885, il est engagé comme photographe à l'Hôtel Dieu, dans le service du gynécologue Gaillard, où il fait la connaissance de Pasteur. C'est à cette époque qu'il prend ses premiers clichés photographiques, activité qu'il pratiquera assiduement jusqu'à la fin de sa vie, partageant son temps entre recherches scientifiques et photographie. Savant et inventeur autodidacte, Charles Fremont est nommé chef du laboratoire de mécanique à l'École des Mines en 1902.
    Grand amoureux de Paris, il en a photographié les rues, les devantures des boutiques, les scènes de vie quotidienne, les monuments, les grands événements de son temps comme les funérailles de Pasteur, l' Exposition universelle de 1900 ou encore la construction du Sacré-Cour. Il s'est aussi passionné pour la vie populaire en immortalisant les fêtes foraines, les lutteurs de foire, les cabarets, ou les défilés de carnaval. Un très beau témoignage inédit sur un Paris que Charles Fremont lui-même sent disparaître et dont il a pu, grâce à la photographie, garder la mémoire pour les générations qui lui succèderaient.

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