De son vivant, la renommée de Johannes Vermeer (1632-1675) dépassait à peine sa Delft natale et un petit cercle de commanditaires. Après sa mort, son nom sombra largement dans l'oubli, ses oeuvres, hors des Pays-Bas, étant souvent attribuées à tort à d'autres artistes. Ce n'est qu'à la moitié du XIXe siècle que Vermeer a attiré l'attention du monde artistique, qui s'est soudain penché sur ses détails narratifs, ses textures finement nuancées et ses majestueux pans de lumière, et a décelé un génie oublié.
De nos jours, ses oeuvres ont inspiré un best-seller du New York Times, un film avec Scarlett Johansson et Colin Firth, sans parlerde l'explosion du nombre d'entrées dans les institutions artistiques d'Amsterdam à Washington et imposé des mesures spéciales de contrôle de la foule à la Mauritshuis, à La Haye, où des milliers de visiteurs défilent pour apercevoir l'énigmatique et séduisante Jeune Fille à la perle, surnommée la « Mona Lisa néerlandaise ».
Cet ouvrage rassemble le catalogue complet de l'oeuvre de Vermeer, regroupant dans les meilleures reproductions imaginables ses scènes paisibles et pourtant captivantes, trésors des galeries et musées européens et américains. De la rédaction d'une lettre à une leçon de musique en passant par les préparatifs culinaires, le répertoire d'actions domestiques restreint mais très évocateur de Vermeer se dévoile, grâce à de nouvelles prises de vue de certaines oeuvres, dans un format généreux. De nombreux détails mettent en valeur le talent extraordinaire de l'artiste à témoigner des traditions et modes de l'âge d'or néerlandais, mais aussi à raconter toute une histoire à travers une simple expression, un geste esquissé ou un regard fugace.
Découvrez l'esthétique absolument unique de Tadao Ando, le seul architecte à avoir remporté les quatre distinctions les plus prestigieuses de sa profession: les prix Pritzker, Carlsberg, Kyoto et le Praemium Imperiale.
Philippe Starck l'a décrit comme un «mystique dans un pays qui n'est plus mystique». Philip Drew considère ses bâtiments comme relevant du «land art» en ce qu'ils «luttent pour sortir de terre». Ses créations sont souvent qualifiées de haïkus faits de béton, d'eau, de lumière et d'espace. Pourtant, selon Ando, la véritable architecture ne se traduit pas en termes de métaphysique ou de beauté, mais plutôt à travers l'espace, qui incarne une forme de sagesse physique.
Cette édition entièrement mise à jour revient sur l'ensemble de son immense carrière, y compris ses derniers projets éblouissants comme le Poly Theater de Shanghai et le Clark Center du Clark Art Institute de Williamstown (Massachusetts). Chacun est esquissé à travers photographies et dessins architecturaux qui mettent en lumière son usage unique du béton, du bois, de l'eau, de la lumière, de l'espace et des formes naturelles. Issue de la magistrale monographie format XXL, cette édition offre un tour d'horizon ultime de l'ensemble de la carrière de l'architecte en un format plus accessible.
L'architecture contemporaine japonaise compte depuis longtemps parmi les plus inventives au monde, saluée pour sa durabilité et son infinie créativité. Pas moins de sept architectes japonais ont remporté le Pritzker Prize.
Depuis que l'Exposition universelle d'Osaka de 1970 a placé les formes contemporaines au centre de l'attention, le Japon est un acteur clé de l'architecture mondiale. Avec un lexique délibérément limité de formes géométriques, Tadao Ando a inscrit la construction japonaise sur le planisphère culturel en établissant un pont entre l'Orient et l'Occident. Dans le sillon tracé par Ando, principalement en béton, des personnalités comme Kengo Kuma (Stade national du Japon conçu pour les Jeux Olympiques qui devaient se tenir en 2020), Shigeru Ban (Centre du Patrimoine mondial au Mont Fuji) ou Kazuyo Sejima (Musée Kanazawa d'art contemporain du 21e siècle) ont développé des approches plus éco-responsables. Les jeunes générations défrichent avec succès de nouveaux chemins qui sont en harmonie avec la nature et s'inspirent des techniques de construction traditionnelles. Plutôt que de se cantonner à leur table à dessin, les architectes présentés dans ce recueil se distinguent par leur recherche formelle perpétuelle, toujours en interaction avec l'environnement.
Cet ouvrage présente les dernières nouveautés en matière d'architecture japonaise et montre combien cette créativité unique est générée par la situation très particulière du Japon - une forte densité démographique, une économie moderne et prospère, une longue histoire et la menace omniprésente de désastres en raison de son activité sismique. L'acceptation de cette ambivalence qu'expriment si bien les reflets évanescents du Musée Kanazawa de Sejima, du changement constant et de la catastrophe imminente est une clé déterminante pour comprendre ce qui distingue l'architecture japonaise de celle pratiquée en Europe et en Amérique.
Ce livre format XL met en lumière 39 architectes et 55 projets exceptionnels réalisés par des maîtres japonais - parmi lesquels le Shanghai Poly Theater de Tadao Ando, la salle de concert La Seine Musicale de Shigeru Ban, les Fermes Grace de SANAA, le 4 World Trade Center de Fumihiko Maki et la clinique dentaire durable de Takashi Suo. Chaque projet est détaillé au moyen de photos, de plans et de dessins techniques originaux, ainsi que de descriptions informatives et de brèves biographies. Un essai détaillé raconte la scène architecturale du pays, des Métabolistes à nos jours, et montre comment l'interaction entre passé, présent et futur a valu à l'architecture japonaise contemporaine une reconnaissance mondiale.
Inventeur, peintre, sculpteur, scientifique, architecte et ingénieur, Léonard de Vinci (1452-1519) incarne à lui seul le génie de la Renaissance. Parmi les artistes de sa génération, aucun n'a laissé derrière lui une oeuvre aussi vaste, singulière et novatrice, et aucun ne demeure à ce jour aussi mystérieux. De la magistrale Cène à l'exceptionnelle Joconde, tout l'oeuvre peint de l'un des créateurs les plus insatiables de l'Histoire est à découvrir dans cet recueil, réalisé à partir de notre fameuse édition complète format XXL, l'une des analyses de Léonard la plus exhaustive à ce jour. En 10 chapitres retraçant sa vie et son oeuvre, toutes les peintures qui lui sont attribuées sont réunies, dont certains des plus beaux trésors du Louvre, du Prado et de la National Gallery, ainsi que d'autres disparues au fil du temps, tout aussi surprenantes par leur précision et leur maîtrise. Cet ouvrage de référence est enrichi d'agrandissements de détail impeccablement reproduits, de textes accessibles situant le travail de Léonard de Vinci dans son contexte social et culturel et dans la tradition picturale de son temps, éclairés par les dernières avancées scientifiques, ainsi que d'un avant-propos mis à jour à la lumière de l'une des plus sensationnelles découvertes contemporaines en histoire de l'art: celle du Salvator Mundi, oeuvre de tous les records.
À part Turner, aucun artiste n'a comme Claude Monet (1840-1926) autant travaillé à capturer la lumière sur la toile. De tous les impressionnistes, celui dont Cézanne disait qu'il n'était « qu'un oeil, mais bon Dieu, quel oeil ! », est le seul à ne jamais s'être écarté du principe de fidélité absolue à la sensation visuelle, peignant au plus près de ce qu'il voyait.
On a dit que Monet avait réinventé les possibilités de la couleur. Que ce soit à travers son intérêt précoce pour les estampes japonaises, le temps qu'il passé pendant son service militaire sous la lumière éblouissante de l'Algérie ou le fait qu'il connaissait personnellement les plus grands peintres de la fin du XVIIIe siècle, il est vrai que ce que Monet a créé tout au long de sa carrière a changé pour toujours notre manière de percevoir le monde tel qu'il est et ce qui nous entoure. Il atteint le sommet de ses recherches avec la série tardive des nymphéas peinte dans son jardin de Giverny, qui, par la manière dont elle se détache quasiment de la forme, constitue véritablement l'origine de l'art abstrait.
Cette biographie rend parfaitement justice à cet artiste absolument remarquable qui compte parmi les plus marquants et offre de nombreuses reproductions et photos d'archives pour accompagner un commentaire aussi fin qu'approfondi.
Les Alpes sont la plus grande chaîne de montagnes d'Europe - et la plus remarquable. Formées il y a des millions d'années, elles sont devenues à la fin du 18e siècle une destination très appréciée, en un premier temps des aventuriers et des explorateurs, puis des artistes et des écrivains et enfin de tous ceux qui venaient ici chercher la fraîcheur en été ou faire des sports d'hiver dans ce magnifique paysage. Partie sur leurs traces, Angelika Taschen a réuni les plus beaux hôtels des pays alpins que sont l'Allemagne, l'Autriche, la Suisse, la France et l'Italie.
Parmi ceux-ci, citons le Kranzbach, construit par une aristocratique britannique près de Garmisch-Partenkirchen, le Gasthof Hirschen, dans le Bregenzerwald, qui accueille les amateurs d'art depuis 1755, et le Seehof, près de Salzbourg, qui privilégie l'art contemporain et l'art culinaire. Le voyage nous mène à la Schatzalp de Davos - Thomas Mann lui a dressé un monument littéraire dans «La montagne magique» -, et à des Bed & Breakfasts pittoresques, gérés de manière personnelle, comme la Brücke49 à Vals ou la Maison Bergdorf à Interlaken.
Au-dessus de Chamonix, les alpinistes séjournent depuis plus de 140 ans au Refuge du Montenvers qui offre une vue imprenable sur la Mer de Glace, le plus grand glacier de France. À Megève, station de ski de luxe qui doit son essor touristique à la baronne Noémie de Rothschild, vous pourrez vivre les Alpes à la française au chalet-hôtel L'Alpaga; quant à la touche de dolce vita italienne vous la trouverez dans des maisons de rêve du Tyrol du Sud comme l'Ottmangut à Merano, la nostalgique Villa Arnica à Lana ou la Pension Briol près de Barbiano: construite en 1928 dans le style Bauhaus, elle a été agrandie en 2021 par deux bâtiments très modernes.
Ce livre généreusement illustré nous fait découvrir les Alpes et leurs auberges grâce à des photos grand format, des textes concis et des détails utiles tels que la situation de l'hôtel, comment arriver à bon port, et les tarifs des chambres. Les amateurs de randonnées, de ski, de bonne chère, et ceux qui aiment leurs aises y trouveront des conseils précieux et des adresses adaptées à leurs besoins: par exemple d'anciens monastères où règnent aujourd'hui encore le calme et la solitude, un chalet-refuge au milieu des Dolomites ainsi qu'une auberge de jeunesse située dans un ancien sanatorium - un exemple rare de construction moderne en Suisse, qui a été déclaré monument architectural en 2002.
Master Of Form. Fusion of architecture, art and engineering. Santiago Calatrava is a renowned architect, structural engineer and artist. Recent projects such as the Athens 2004 Olympic sports complex, the Turning Torso in Malmo, and TGV station in Liege, have brought him international acclaim. The only architect to exhibit at both the Museum of Modern Art and the Metropolitan Museum of Art in New York, he is presently designing the main transportation hub for Ground Zero in Manhattan, as well as the tallest building in the USA: the 150-story Chicago Tower. Calatrava collaborated extensively on this monograph, which traces his career and places his architecture in the context of his art and engineering prowess. All of his works, from the suspended swimming pool at Zurich's Federal Institute of Technology to his latest, startling designs, are featured in this lavishly illustrated volume. This updated 2014 trade edition of the original large monograph includes new projects such as the Peace Bridge in Calgary, Canada, the Conference and Exhibition Center in Oviedo, Spain, and the Mediopadana Station in Reggio Emilia, Italy.
La vie d'Antoni Gaudi (1852-1926) fut pleine de contradictions. Jeune homme, critique à l'égard de l'Église, il rejoignit le mouvement nationaliste catalan, mais voua la fin de sa vie à la construction d'une église unique et spectaculaire, la Sagrada Familia. Il mena un temps une vie de dandy dans le beau monde, mais à sa mort dans un accident de tram à Barcelone, ses vêtements étaient si miteux que les témoins le prirent pour un mendiant.
L'incomparable architecture de Gaudi traduit cette multitude de facettes. Textures chatoyantes et structure squelettique de la Casa Batlló ou matrice arabo-andalouse de la Casa Vicens, son travail mêle orientalisme, matériaux innovants, formes naturelles et foi religieuse pour façonner une esthétique moderniste unique. Aujourd'hui, son style particulier rencontre une popularité et une admiration mondiales. Son opus magnum, la Sagrada Familia, est le monument le plus visité d'Espagne et sept de ses oeuvres figurent au patrimoine mondial de l'humanité de l'UNESCO.
Illustré de photos inédites, de plans, de dessins de la main de Gaudi et de clichés historiques, enrichi d'annexes approfondies présentant toutes ses créations y compris ses meubles et ses projets inachevés, cet ouvrage présente son univers comme jamais. À la manière d'une visite guidée privée de Barcelone, on découvre combien le «Dante de l'architecture» fut un constructeur au sens le plus pur du terme, qui façonna des édifices extraordinaires, foisonnant de détails fascinants où se matérialisent les visions fantasmatiques au coeur de la ville.
Pendant les 14 années que dura la brève période de l'entre-deux-guerres, l'école allemande d'art et de design du Bauhaus bouleversa le visage de la modernité. Mettant en pratique ses idéaux utopiques, cette école pionnière entreprit de réunir les beaux-arts, l'artisanat et la technologie, fusion qui s'appliqua aux moyens et aux pratiques artistiques, du cinéma au théâtre, de la sculpture à la céramique.
Ce livre a été réalisé en collaboration avec le Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung de Berlin qui abrite à ce jour la plus importante collection sur l'histoire du Bauhaus. Documents, études, plus de 250 photographies inédites, croquis, plans, maquettes et prototypes retracent les oeuvres réalisées ainsi que les grands principes et les personnalités qui ont formé ce collectif d'artistes idéalistes, au fil de ces trois lieux d'implantation à Weimar, Dessau et Berlin. Des clichés pris sur le vif pendant les séances de gymnastique aux croquis réalisés par des élèves de Paul Klee, des immenses plans architecturaux au cendrier si élégant de Marianne Brandt, la collection vibre des couleurs, des matières et des formes géométriques caractéristiques de l'oeuvre d'art «totale», concept au coeur de la vision du Bauhaus.
À l'heure du centenaire du Bauhaus, cet ouvrage de référence résume parfaitement l'énergie et la rigueur du Bauhaus, qui ne fut pas qu'un mouvement précurseur du modernisme mais posa aussi les bases de la formation artistique, selon lesquelles l'expression créative et les idées novatrices conduiraient à des oeuvres autant fonctionnelle qu'esthétiques. Le livre aborde notamment le travail d'artistes tels que Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe et Lilly Reich.
Renzo Piano a acquis une réputation internationale après sa participation à la conception du Centre Pompidou de Paris, que le New York Times décrivit comme le bâtiment «qui a mis le monde de l'architecture sans dessus dessous». Depuis, il a persisté à imaginer des espaces culturels emblématiques comme l'aile moderne de l'Art Institute de Chicago et, plus récemment, le Whitney Museum of American Art, une structure asymétrique sur neuf niveaux érigée dans le Meatpacking District de Manhattan avec des galeries intérieures et d'autres à ciel ouvert. Piano a aussi marqué Londres de son empreinte en piquant dans sa ligne d'horizon le Shard, l'édifice le plus haut de l'Union européenne.
À 81 ans, le maestro italien conserve tout son enthousiasme et sa générosité, et ses créations récentes sont plus impressionnantes que jamais. «Je pense qu'à un certain âge on peut découvrir qu'il existe quelque chose comme ce que les Français appellent un fil rouge, qui relie les bâtiments les uns aux autres au fil du temps», a-t-il confié à l'auteur de cet ouvrage. «Dans mon cas, je pense que c'est une affaire de légèreté et d'art de la construction». Qu'il s'agisse des musées érigés il y a peu à Athènes et Santander, de ses travaux en cours à Los Angeles, Moscou, Beyrouth et Istanbul, ou de projets humanitaires tels que le centre de chirurgie pédiatrique d'urgence d'Entebbe, en Ouganda, ou le centre de soins palliatifs pour enfants de Bologne, en Italie, la carrière de Piano est un périple captivant dans la beauté et l'essence même de l'architecture.
Réalisée à partir de l'imposante monographie format XXL, cette édition retrace l'ensemble de la carrière de Piano à ce jour dans un format accessible, enrichi de plus de 200 nouvelles pages illustrées de photos, de croquis et de plans.
De splendides bêtes sauvages... assoiffées de sang À première vue, les grandes aquarelles animalières minutieuses de Walton Ford font d'abord songer aux planches de John James Audubon, d'Edward Lear ou d'autres artistes de la période coloniale. Mais dès que l'on y regarde de plus près, on découvre un univers complexe à l'anthropomorphisme troublant, plein de symboles, d'humour grinçant et d'allusions à la dramatisation extrême des sujets de prédilection de l'histoire naturelle. Représentés à taille réelle, les bêtes et oiseaux, qui peuplent les tableaux de cet artiste contemporain ne sont jamais peints comme de simples objets, mais apparaissent comme de véritables acteurs dynamiques de luttes allégoriques: une dinde sauvage écrase une petite perruche entre ses serres, une tribu de singes met à sac une table de dîner dressée avec soin, un bison se retrouve encerclé par une meute de loups blancs ensanglantés... C'est le Panchatantra, vieux livre de fables indiennes sur les animaux, dont Ésope se serait inspiré, qui a donné son nom à l'ouvrage.
Cette édition grand format permet d'explorer en profondeur l'oeuvre de Walton Ford et s'accompagne d'une biographie détaillée et d'extraits des textes dont l'artiste s'est inspiré : des contes folkloriques vietnamiens, des lettres de Benjamin Franklin, l'autobiographie de Benvenuto Cellini comme les Biographies Ornithologiques d'Audubon.
«Pourquoi l'art ne pourrait-il pas être joli? Il y a suffisamment de choses embêtantes dans la vie.» - Pierre-Auguste Renoir Les tableaux de Pierre-Auguste Renoir au charme intemporel n'évoquent qu'amour, bonheur et beauté. Le Renoir de TASCHEN, rétrospective la plus complète jamais consacrée à l'oeuvre du peintre, analyse de près l'histoire et la passion cachées derrière la légende. Bien qu'il ait commencé sa carrière par des paysages de style impressionniste, Renoir (1841-1919) n'a vraiment développé son style propre qu'après avoir commencé à peindre des portraits qui l'ont conduit à se détacher complètement de l'impressionnisme. Bien qu'on l'ait souvent mal compris ou critiqué, Renoir demeure l'un des peintres les plus aimés de l'Histoire, grâce, sans doute, à la chaleur et à la joie de vivre qui émanent de ses tableaux.
Dans ce texte éclairant qui revient sur l'intégralité de la carrière de l'artiste en retraçant son évolution artistique, Gilles Néret montre comment Renoir a réinventé la femme en peinture, à travers ses déesses de la vie quotidienne bien rondes, à la poitrine et aux hanches généreuses. Cette dernière phase de l'oeuvre de Renoir, au cours de laquelle il en est revenu au plaisir simple de peindre des nus féminins dans sa série consacrée aux baigneuses, est sans doute de loin la plus novatrice, celle qui a le plus inspiré d'autres artistes (comme Matisse et Picasso, notamment).Avec sa chronologie, sa bibliographie et son index très complets, accompagnés de 600 superbes reproductions couleur grand format, ainsi que des photos et des croquis illustrant la vie et l'oeuvre de Renoir, ce livre est l'un des ouvrages de référence incontournables sur ce grand maître de la peinture.
Zaha Hadid (1950 - 2016) fut une architecte révolutionnaire. Pendant des années, elle fut saluée dans le monde entier par la critique et de nombreux prix malgré des projets rarement menés à leur terme, dont certains disaient même qu'ils étaient impossibles à construire. Pourtant, durant les dernières années de sa vie, ses idées audacieuses ont été réalisées, insufflant un répertoire nouveau et unique en architecture à des villes et des projets dont la Maison du port à Anvers, le stade Al Janoub au sud de Doha (Quatar) et le spectaculaire nouveau terminal aéroportuaire de Beijing.
À sa mort, en 2016, Hadid appartenait définitivement à l'élite de l'architecture mondiale et travaillait sur des projets en Europe, en Chine, au Moyen-Orient et aux États-Unis. Elle demeure la première femme à avoir reçu à la fois le prix Pritzker d'architecture et la prestigieuse médaille d'or royale RIBA, avec son partenaire de longue date Patrik Schumacher, désormais directeur de Zaha Hadid Architects.
Réalisé à partir de l'imposante monographie TASCHEN, cet ouvrage est désormais disponible en une édition mise à jour et plus accessible, qui aborde l'intégralité de son travail jusqu'à ce jour. À travers une profusion de photos, des esquisses détaillées et les propres dessins de Hadid, ce volume retrace l'évolution de sa carrière au fil de ses constructions les plus avant-gardistes, mais aussi de ses créations en design ou en aménagement intérieur, le tout formant un univers singulier, unique au XXIe siècle.
Les maîtres de la photographie et leurs plus beaux ouvrages.
Les plus grands photographes des 100 dernières années.
Un panorama global des photographes les plus importants du XXe siècle et de leurs plus belles monographies:
Cette encyclopédie biographique organisée par ordre alphabétique présente tous les photographes majeurs du XXe siècle, des premiers représentants du modernisme classique jusqu'à aujourd'hui.
Richement illustré de fac-similés de livres et de magazines, ce livre englobe tous les plus grands photographes des cent dernières années, et plus particulièrement ceux qui se sont distingués par d'importantes publications ou expositions, ou qui ont contribué de manière significative à la culture de l'image photographique. Si la plupart des 400 entrées présentent des photographes nord-américains ou européens, l'ouvrage propose un aperçu international en accordant une importance toute particulière à la photographie du Japon et de l'Amérique Latine, de l'Afrique et de la Chine.
Photographers A-Z se concentre sur les images et la culture photographiques, mais s'intéresse également aux photographes travaillant dans des domaines connexes, dont le travail dépasse la simple illustration et relève de l'art photographique, ou qui font partie des collections des plus grands musées, comme Julius Shulman, Terry Richardson, Cindy Sherman, David LaChapelle, etc.
Parmi les photographes présentés:
Ansel Adams, Manuel Álvarez-Bravo, Nobuyoshi Araki, Diane Arbus, Richard Avedon, David Bailey, Elmer Batters, Peter Beard, Cecil Beaton, Werner Bischof, Guy Bourdin, Bill Brandt, Robert Capa, William Claxton, Anton Corbijn, Robert Doisneau, William Eggleston, Masahisa Fukase, Ron Galella, Nan Goldin, Jean-Paul Goude, John Heartfield, Eikoh Hosoe, George Hoyningen-Huene, Seydou Keïta, William Klein, Nick Knight, Neil Leifer, Peter Lindbergh, Man Ray, Robert Mapplethorpe, Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin, Jean- Baptiste Mondino, Helmut Newton, Martin Parr, Irving Penn, Pierre et Gilles, Bettina Rheims, Leni Riefenstahl, Sebastiao Salgado, Andres Serrano, Cindy Sherman, Kishin Shinoyama, Jeanloup Sieff, Lord Snowdon, Bert Stern, Larry Sultan, Mario Testino, Wolfgang Tillmans, Ellen von Unwerth, Andy Warhol, Bruce Weber, Weegee, Gary Winogrand...
Les expressionnistes allemands étaient des anxieus et des révoltés. Surgissant à l'aube du XXe siècle, ils dénonçaient les valeurs chrétiennes et bourgeoises autant que l'industrialisation urbaine rampante. Anti-impérialistes, ils furent dispersés, brisés et diminués par les horreurs de la Première Guerre mondiale, et n'unirent leurs efforts que pour finir officiellement mis à l'index lors de l'exposition «Art dégénéré», organisée en 1937 par les Nazis.
Dans cette synthèse complète de TASCHEN, Dietmar Elger, directeur des Archives Gerhard Richter, a rassemblé la plupart des artistes et des éléments caractéristiques de ce mouvement complexe et épars pour évoquer ses protagonistes, ses principes et son rôle essentiel dans le modernisme du XXe siècle. Parvenant à une clairvoyance critique au milieu de cette frénésie de couleurs et de distorsions, le livre aborde les collectifs d'artistes influents Die Brücke («Le Pont») et Der Blaue Reiter («Le Cavalier bleu»), ainsi que leurs particularités locales à travers les centres artistiques de Berlin et Munich et leurs variantes en Rhénanie, au nord de l'Allemagne, et à Vienne.
Au fil des pages, l'ouvrage permet de comparer et d'opposer les thèmes et les choix stylistiques d'un groupe d'artistes dispersés, en lutte contre la vie moderne et industrielle. On découvre les taches lumineuses de Wassily Kandinsky et les nuances éteintes d'Ernst Ludwig Kirchner, les aspects futuristes de Franz Marc et le retour partiel à l'impressionnisme dans les touches chamarrées d'Emil Nolde. On croise des visages empâtés, des figures lasses ou inspirés des masques africains. On entre dans des bars miteux peuplés de vieux hommes difformes, puis dans une chambre jaune et confinée où pose une fille nue et étrange. On est tantôt chahuté par la cacophonie des bruits et des fumées de la ville, tantôt abandonné dans le silence des bois, près d'un lac.
Parcourant la richesse et la diversité de la production expressionniste, Elger présente des figures majeures comme Beckmann, Kandinsky, Kirchner, Kokoschka, Nolde, Schiele, tout en prenant soin d'évoquer des artistes souvent peu étudiés comme Conrad Felixmüller, Ludwig Meidner et Marianne von Werefkin. Le résultat donne une vision d'ensemble d'un mode d'expression passionnel, parfois violent, mû par une aspiration et un malaise que l'on devine derrière des peintures pleines de fièvre.
L'art et la culture de la Grèce antique forment le socle commun de la civilisation occidentale - de nombreux monuments et musées témoignent encore de sa riche histoire. La Grèce est aussi unique par ses paysages époustouflants, l'hospitalité de ses habitants et ses fabuleux hôtels, qui font rêver de nombreux voyageurs. La cuisine fraîche et saine, l'eau cristalline et les couchers de soleil spectaculaires font le reste: un séjour en Grèce est toujours un pur ravissement.
Angelika Taschen a parcouru le pays des montagnes de Macédoine, au Nord du Péloponèse, avec ses sites mythiques comme Corinthe, Sparte et Olympie, jusqu'aux petits et grands archipels au sud de la péninsule. Elle nous ouvre les portes des hôtels les plus extraordinaires du pays, parmi lesquels l'Imaret de Kavala, ancienne forteresse ottomane, la Tainaron Blue Retreat, nichée dans une tour de défense solitaire du Magne et le Windmill, un moulin à vent reconverti sur l'île de Kimolos, dans les Cyclades. Elle invite les lecteurs à découvrir des établissements de luxe légendaires comme l'Eagles Palace d'Halkidiki ou le Grand Hôtel Poseidonion de Spetses et les convie dans des chambres d'hôtes enchanteresses comme la Guesthouse Mazaraki de Mystras ou Mèlisses à Andros, tenue par la bloggueuse culinaire Allegra Pomilio.
Au fil du chemin, elle a visité des hôtels sur les îles les plus réputées et pittoresques - le Mystique à Santorin et le Soho Roc House à Mykonos - mais aussi des trésors plus confidentiels comme le Mediterraneo sur l'île de Kastelorizo, à la pointe sud-est de la Grèce, au large des côtes turques. Elle évoque aussi des perles d'architecture et de design : le village hôtelier The Rou Estate, un hameau historique restauré avec soin à Corfou, le minimaliste Olea All Suite Hotel sur Zakynthos et Ammos, en Crète, où vous ne trouverez pas deux meubles identiques et où de nouvelles pièces excentriques sont ajoutées chaque année.
La science et l'illustration ont toujours marché main dans la main. La communauté scientifique, mais aussi le grand public, utilisent l'image depuis les premières heures de l'Histoire pour comprendre les phénomènes naturels. De Galilée à Einstein, notre histoire moderne s'est écrite avec l'assistance, cruciale, de l'art et toute la qualité d'observation qu'il induit. Cet ouvrage format XXL réunit plus de 300 oeuvres graphiques qui vont du croquis original au dessin technique, de l'illustration manuscrite minutieuse à l'image générée par ordinateur.
La révolution scientifique occidentale entamée au XIVe siècle catapulta l'humanité dans une appréhension radicalement nouvelle de la nature et des lois qui régissent notre environnement. Qu'il s'agisse des maladies provoquées par des virus ou des vastes galaxies du cosmos, une nouvelle armée de professionnels se mit alors en quête de décoder et représenter l'univers tel qu'ils en faisaient l'expérience, selon une dialectique qui oscillait entre théorie et preuve. Le domaine de l'illustration et le développement du savoir devinrent indissociables, comme en témoignent les oeuvres magistrales rassemblées dans ce livre, produites par des artistes-scientifiques qui se sont spécialisés dans ce domaine pluriel.
Explorez le travail de plus de 700 scientifiques et plus de 300 découvertes en anatomie, physique, chimie, astronomie, mécanique et dans d'autres domaines, à travers les oeuvres visuelles qui leur donnent vie. Combinées avec des textes détaillés qui expliquent leur portée scientifique, les illustrations de ce livre explorent le travail de scientifiques majeurs parmi lesquels Andreas Vesalius, Isaac Newton, Marie Curie et Rosalind Franklin. Les visualisations choisies détaillent les grandes idées novatrices et les découvertes qui ont jalonné notre histoire depuis le Eve siècle, notamment les aquarelles de Galilée représentant le Lune, l'inégalé Atlas d'anatomie humaine et de chirurgie de Bourgery, les diagrammes statistiques de Florence Nightingale recensant les victimes de guerre et les notes gribouillées à la va-vite par Einstein à propos de sa théorie générale de la relativité.
Nombre de découvertes scientifiques sont le fruit d'une pensée contre-intuitive et la visualisation nécessaire de cette recherche s'appuie sur les ressources du savoir collectif, pour communiquer ces nouvelles idées au grand public. Ce livre s'adresse à tous ceux que les merveilles de notre monde ne cessent de fasciner et qui souhaiteraient en apprendre davantage grâce aux remarquables illustrations employées pour vulgariser le savoir scientifique.
Dès la naissance du modernisme, production musicale et création visuelle ont entretenu une relation des plus étroites. De L'Arte dei Rumori (L'Art des bruits), manifeste futuriste de Luigi Russolo publié en 1913, aux Rotoreliefs de 1925, les disques recto-verso de Marcel Duchamp, le XXe siècle a été le témoin des échanges de plus en plus fertiles entre sons et formes, symboles et mélodies, et entre tous les champs de la composition et de la performance.
Dirigée par Francesco Spampinato, cette anthologie exceptionnelle des pochettes de disque créées par des artistes dévoile à quel rythme cette histoire culturelle singulière s'est écrite. Le livre présente 500 pochettes d'album et de disque des années 1950 à aujourd'hui signées par des artistes de l'image, qui révèlent à quel point modernisme, pop art, art conceptuel, postmodernisme et d'autres formes d'art contemporain ont imprimé leur mouvement à ce domaine annexe de la production visuelle, et ont soutenu l'industrie musicale de masse grâce à leur imaginaire essentiel évoquant spontanément la rencontre sonore.
Au fil des pages, on retrouve les hiéroglyphes urbains créés par Jean-Michel Basquiat pour Tartown, sa propre maison de disques, le graffiti de Banksy réalisé au pochoir pour Blur, le crâne de Damien Hirst, symbole créé pour The Hours, et un papillon épinglé par Salvador Dali pour l'album Lonesome Echo de Jackie Gleason. Ils sont accompagnés par des explications claires et une fiche descriptive rappelant l'artiste, l'interprète, le nom de l'album, le label, la date de sortie et des informations sur l'oeuvre d'art d'origine. Des entretiens avec Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen et Raymond Pettibon apportent un témoignage personnel sur les coulisses de ces collaborations entre artistes et musiciens.
Avec son visage lisse et rouge irradiant de lumière dans toutes les directions, le Président Mao Zedong est un motif incontournable des affiches de propagande produites entre la naissance de la République populaire de Chine en 1949 et le début des années 1980.
Le Président Mao, représenté en super-héros stoïque (ou en Grand Maître, Grand Guide, Grand Timonier ou Commandeur Suprême) était mis en scène dans toutes sortes de situations - inspectant les usines, fumant une cigarette avec des paysans, devant le fleuve Yang-Tsé-Kiang en robe de chambre, à la proue d'un navire, ou au-dessus d'une mer de drapeaux rouges -, entouré d'hommes sans âge, forts et en bonne santé, ainsi que de femmes «virilisées» et d'enfants portant d'amples vêtements ternes et asexués. L'objectif de ces affiches était à la fois de montrer au peuple chinois quelle disposition morale on attendait de lui et d'illustrer le glorieux futur de la Chine communiste, si tout le monde s'unissait pour suivre le même chemin vers l'utopie.
Ce livre rassemble une sélection colorée d'oeuvres et d'objets culturels de propagande issus de l'importante collection d'affiches chinoises de Max Gottschalk, dont beaucoup sont aujourd'hui extrêmement rares.
À la croisée des arts visuels, graphiques et cinématographiques, les affiches de films constituent un fascinant témoignage de l'esprit culturel singulier d'une époque. Ce livre rassemble 250 affiches de l'Union soviétique pré-stalinienne des années 1920 et 1930 pour explorer l'énergie et l'inventivité de cette période, avant que le réalisme soviétique ne s'impose comme une doctrine artistique officielle.
Tirée de la collection privée de la connaisseuse Susan Pack, cette sélection comprend les réalisations de 27 artistes différents. À travers des personnages ou des éléments architecturaux audacieux, chaque artiste témoigne d'une esthétique et d'un style singuliers, mais rejette comme les autres le côté glamour d'Hollywood en privilégiant des images saisissantes, fascinantes, voire provocatrices, souvent caractérisées par un cadrage inhabituel, des compositions dynamiques et des gros plans déconcertants.
Andy Warhol fut un insatiable chroniqueur de la vie, et des rencontres qu'elle mit sur sa route. De la fin des années 1950 à sa mort, en 1987, il emportait partout son appareil Polaroid et amassa une énorme collection de photos de ses amis, amants, mécènes, personnages célèbres ou obscurs, de la scène et des podiums, et de lui-même. Conçu en collaboration avec la Fondation Andy Warhol, ce livre présente plusieurs centaines de ces instantanés.
Les portraits de célébrités comme Mick Jagger, Alfred Hitchcock, Jack Nicholson, Yves Saint Laurent, Pelé ou Debbie Harry figurent aux côtés des silhouettes qui peuplèrent la vie de Warhol: son entourage, la vie mondaine, des paysages et des poupées Patouf, et ses fameuses boîtes de soupe. Souvent bruts et impromptus, les Polaroids témoignent de l'époque de Warhol comme Instagram saisit la nôtre, composant un document unique sur la vie, le monde et la vision du maître du pop art, géant du modernisme.
Remote Experiences est le récit en images des périples extraordinaires du photographe David De Vleeschauwer et de la journaliste de voyage Debbie Pappyn à travers des territoires oubliés des touristes. Nourri par 15 années d'explorations intrépides, cet ouvrage propose une perspective immersive sur l'art du voyage hors des sentiers battus.
Suivez ce duo à la découverte de 12 destinations organisées du Nord au Sud, qui commence par une visite au pôle Nord et se conclut sur les rives des l'Antarctique. Ce périple photographique convoque une collection éclectique de souvenirs, avec pour racine commune l'attention que ses auteurs portent au monde qui les entoure. Au fil des pages, De Vleeschauwer saisit la beauté spectaculaire de contrées parmi les plus isolées de notre monde.
Arpentez des fjords gelés, des îles balayées par le vent et des villages perdus dans la jungle tropicale! Paysages et personnages deviennent les héros fortuits des fabuleuses aventures de Pappyn et De Vleeschauwer. Complété par des récits de voyage et des descriptions détaillées, Remote Experiences embarque ses lecteurs pour un périple inoubliable dans ces lieux où le temps s'arrête
Vous avez besoin d'une pause dont vous sortirez détendu, revigoré et régénéré? Dans ce superbe guide mis à jour, Angelika Taschen réunit les lieux de retraite de yoga les plus exquis et inspirants du monde entier, d'un hôtel de luxe exotique à Bhutan aux ashrams indiens, en passant par une station balnéaire de Mexico et un trésor des forêts tropicales du Brésil.
Les coups de coeur incluent le Parmarth Niketan Ashram de Rishikesh-une des cités sacrées au bord du Gange, fameux lieu de pèlerinage où les Beatles se sont rendus en 1968, au ashram de Maharashi; Santani, une ancienne plantation de thé de 20 hectares au Sri Lanka, où la plénitude rencontre l'écologie et le développement durable. L'Italie n'est pas seulement une destination de voyage culturel et culinaire, elle est aussi une destination pour le yogi: Santa Maria del Sole dans les Pouilles propose un juste milieu entre la pratique du yoga et le mode de vie italien. Un joyau caché dans les hauts plateaux du Brésil, Alto Paraiso est niché dans la luxuriante forêt tropicale, abritant une flore et une faune d'une rare diversité. The Esalen Institute est une destination légendaire du New Age, proposant du yoga et bien d'autres choses, avec plus de 500 workshops spirituels et physiques; la Crête, une des destinations européennes les plus populaires pour le yoga Vinyasa, offre une cuisine authentique et des panoramas à couper le souffle sur l'étendue infinie de la mer de Libye, pendant que le Amansala's Bikini Boot Camp de Tulum, au Mexique, allie les moments de détente sur la plage et les ateliers de pratique du yoga.
